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jueves, 1 de septiembre de 2016

Tema 7. Lo virtuoso, el plano secuencia

7.1. ¿Qué es un plano secuencia?

Un plano secuencia se define como una secuencia filmada en continuidad, sin corte entre planos, en la que la cámara se desplaza siguiendo la acción hasta la finalización de dicho plano. A lo largo de la escena no se produce ni un sólo corte, por lo que no conlleva posterior edición.
Todo el plano secuencia debe estar relatado desde una única mirada.

Se suelen utilizar travellings, componer distintos planos a lo largo de la secuencia mientras se sigue la acción o a los personajes y distintas angulaciones.

Se puede utilizar para un efecto dramático y narrativo si se hace correctamente, si bien algunos directores lo utilizan de forma no dramática ni narrativa, sino como mero instrumento efectista.


7.2. Planos secuencia memorables.

Ver vídeo. Pregenérico de "Sed de mal", Orson Welles,  1958. Pulsar aquí.

Ver vídeo. Escena del funeral de "Soy Cuba", Mikhail Kalatazov, 1964. Pulsar aquí.

Ver vídeo. Pregenérico de "Armonías de Werckmeister", Béla Tarr, 2000. Pulsar aquí.

Ver vídeo. Escena final de "Stalker -la zona-", Andrei Tarkovski, 1979. Pulsar aquí.

Ver vídeo. Escena de la entrada al bar de "Uno de los nuestros", Martin Scorsese, 1990. Pulsar aquí.

Ver vídeo. Escena del Estadio de "El secreto de tus ojos", Juan José Campanella, 2009. Pulsar aquí.

Más información sobre planos secuencia en, por ejemplo, babel36: pulsar aquí.


7.3. Rizar el rizo, películas íntegramente rodadas en un único plano secuencia.

Ver vídeo. "El arca rusa" de Alexander Sokurov, 2002. Para ver la película completa pulsar aquí.

Ver vídeo. "La soga" de Alfred Hitchcock, 1948. Pulsar aquí para ver la peli completa

Ver vídeo. Fragmento de "Timecode" de Mike Figgis, 2000. Pulsar aquí.
Ver vídeo. "Victoria" de Sebastian Schipper, 2015. Pulsar para ver el trailer.

Otras películas rodaas en plano secuencia único: "Hablar" de Joaquín Oristrell, "Fish & cut" de Shahram Mokri o "La casa muda" de Gustavo Hernández.

viernes, 20 de mayo de 2016

Tema 1. La magia

1. Las imágenes omnipresentes.

A lo largo del día recibimos cientos de estímulos audiovisuales, la mayor parte de carácter publicitario y comercial. Al acceder a tiendas, locales comerciales, centros de ocio, al pasear por la calle, agazapados en nuestros bolsillos, al regresar a casa. Marquesinas con imágenes, carteles, pantallas con anuncios, vídeos. Desde nuestros dispositivos móviles, en el sofá de nuestras casas frente al televisor, en estas aulas. Esas imágenes ya están integradas en nuestra vida y nuestra forma de ver el mundo.

Ver vídeo: Panorámica del barrio de Shinjuku en Tokio (Del 0'30'' a 1'10'' y De 2'10'' a 3'00''). Pulsar aquí.

La televisión, la radio, internet, el cine, la prensa, los múltiples soportes publicitarios; etc. Todos los días asistimos a una continua descargar de información audiovisual de distintas formas, medios, soportes, formatos, estilos y objetivos.


REFLEXIÓN: ¿Qué imágenes audiovisuales, de imagen o sonido, estáticas o en moviemiento, hemos recibido hoy, desde que nos despertamos?



2. Desde el principio y cien años después.

La leyenda dice que entre las primeras imágenes que se proyectaron al público en una sala cinematográfica, rodadas con su cinematógrafo por los Hermanos Lumiere, estaban la llegada del tren a la estación de Ciotat. Fue un 27 de diciembre de 1895 en el Gran Café de Paris.

Ver vídeo: "Llegada de un tren a la Estación de Ciotat", 1985, Hermanos Lumiere. Pulsar aquí.

Desde entonces el cine, y el audiovisual, el arte más joven y moderno, ha sufrido transformaciones y cambios, que a medida que la tecnología avanzaba, mutaba adaptándse a nuevos tiempos, nuevos públicos, nuevos conceptos. Hoy es arte pero también medio esencial de comunicación; es cultura pero también es la derrota de la cultura.

En sólo 120 años, el cine ha transformado nuestra forma de ver y conocer el mundo. Pasando por decenas de etapas, estilos, fórmulas, y alcanzado lo que muchos críticos y teóricos han denominado la postmodernidad.

Ver vídeo: Escena de "Deseando Amar", 2000, de Wong Kar Wai. Pulsar aquí.


ACTIVIDAD: Resume en una escena de 30 segundos tu primer día de clase.



3. La magia, el montaje, la imagen en movimiento.

El cine no deja de ser la reproducción de 24 fotogramas durante un segundo; la continuidad de la imagen estática nuestro ojo la convierte en imagen en movimiento.

Pero no siempre las imágenes son lo que parecen, nunca lo han sido.

Ver vídeo: Efecto Lev Kuleshov, 1922. Pulsar aquí.

Ver vídeo: Explicación de Alfred Hitchcock del Efecto Kuleshov. Pulsar aquí.


ACTIVIDAD POR PAREJAS: Graba un efecto Kuleshov.


domingo, 6 de febrero de 2011

Circuncines 1. Vínculos sobre La Fontana di Trevi

Nuestra historia la deberíamos iniciar a mediados de los años 50. Por entonces Federico Fellini era un habitual de las terrazas de la vía Veneto, donde se reunía la intelectualidad italiana junto a un tropel de famosetes y artistillas ansiosos por ocupar las portadas de las revistas de sociedad.

Todas las noches se repetía el mismo juego de gato y ratón en el que no faltaban las provocaciones, los posados, las escaramuzas y los flashes.



Entre los más activos en el ritual se encontraban la actriz y miss Suecia Anita Ekberg y su marido Anthony Steel, quienes solían regalar a los reporteros gráficos escenas diversas de alcohol, falso orgullo, celos y autopromoción.

En 1958, en uno, de entre tantos muchos, de tales paripés, el fotografo Pierluigi capta a la Ekberg introduciéndose con discreción, risueña y de blanco nuclear, en la Fontana di Trevi.



Aquellas fotografías llegan a los ojos de Fellini quien estaba considerado ya como uno de los directores más importantes del cine europeo tras el éxito de “La Strada” o “Las noches de Cabiria”.

Dicen que cuando Fellini vio por primera vez las fotos de Anita Ekberg exclamó: “es como uno de mis dibujos hecho realidad, es la personificación de mis sueños”. Y concluyó “Dios, haz que nunca llegue a conocerla”.



En este caso Dios no actuó ya que es por todos sabido que Fellini, incapaz de reprimir sus deseos eróticos, decidió incluir en su siguiente film, apenas un año más tarde, una escena ficticia basada en el baño real de la Ekberg.

Esta vez sin paparazzis al acecho, con vestido negro y en actitud desbordantemente sensual, Anita consigue seducir no sólo a un entregado Marcello Mastroiani sino al mundo entero.



 La Dolce Vita es recibida en la sacrosanta Italia con insultos, escupitajos, gritos de “cretinos, comunistas y calaveras” y titulares como el del Oservatore romano que proclama: “Es una obscenidad”.

Fuera de polémicas y censuras el mundo del cine, incluido Cannes, se rinde ante la modernidad de aquellas imágenes visionarias y adelantadas a su tiempo. El eco que la película provoca cruza el Atlántico gracias a sus 3 nominaciones a los Óscars, llegando a oídos diversos, entre ellos los de Alfred Hitchcock.

El director británico se encuentra escribiendo el guión de su nuevo film; una alegoría psicoanalítica en el que sin causa aparente unos pájaros atacan a los habitantes de un pueblecito cercano a San Francisco.

En un momento del film el protagonista, Mitch, lleva a cenar a casa a una joven y millonaria urbanita a quien ha conocido en una pajarería y sobre la que llueven rumores acerca de sus costumbres relajadas. Esta encarnación del pecado acabará por desatar la furia de una madre castrante y posesiva que desembocará en el ataque de los pájaros.

Fascinado por aquella escena de la fuente, Hitchcock decide homenajear abiertamente al director italiano asociando su personaje femenino, interpretado por Tippi Hedren, con aquel otro sensual y libertino que la Ekberg interpreta en La dolce vita; como si una y otra, pese a estar separadas por tres años y un océano, resultaran ser la misma mujer.

Pero las derivaciones cinematográficas sobre la imagen mitológica de la Fontana di Trevi no concluyen aquí. A lo largo de los años numerosas películas han incluido homenajes expresos o soterrados a la escena original de La Dolce Vita. Pero ninguno como aquél que el propio Fellini realizara 27 años después.



En su pseudo documental “Entrevista” el director italiano decide revisitar el mito por él mismo creado, reuniendo, en una de las escenas más hermosas de la historia del cine, a Anita Ekberg y a Marcello Mastroiani frente a la proyección de las iconográficas imágenes de sí mismos en la Fontana di Trevi.

Avejentados y entrados en kilos, los dos actores comparten con nostalgia un mismo ocaso. Una sensación dual de tristeza y orgullo invade por completo el film.



Los dos mitos se cogen de la mano, obligados por el tiempo a sentirse ajenos a aquella otra imagen que la pantalla les escupe de sí mismos pero con 27 años menos. Aquella imagen mitológica sobre la que en los años 60 se construyera toda una simbología relacionada con la libertad, la belleza y la dolce vita…

Circuncines 1 (Todos los miércoles en DcTV):